CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36). Hasta el 31 de enero de 2021. De lunes a domingo de 10 a 20h. Consultar disponibilidad en caixaforum.es
Alrededor de los años sesenta del siglo pasado en Estados Unidos, el arte pop entra en escena gracias a jóvenes creadores con ganas de experimentar, que encontraron en las artes gráficas, poco reconocidas hasta entonces, una forma de expresión artística que les ayudó a trascender y descubrir un camino para aproximar el arte al público en general. Consiguieron, de esta forma, una nueva estética plástica y gráfica, en las que abordaban cuestiones políticas, sociales o de cualquier otra índole.
Gracias a la estrecha colaboración de CaixaForum con el British Museum, tenemos la oportunidad de disfrutar los brillantes trabajos de Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns, James Rosenquist, Richard Serra o Ed Ruscha, entre otros muchos grandes artistas.
La enorme complejidad y diversidad de las técnicas utilizadas; litografía, aguafuerte, collage, xilografía, fotograbado, acuarela, pólvora, etc., junto a una gran variedad temática, articulan el interesante despliegue artístico, cuyo eje gira en torno a la sociedad norteamericana.
Durante un par de horas, seremos espectadores de los continuos y notables cambios acontecidos en Estados Unidos desde los años 60 a la actualidad; la guerra de Vietnam, la Guerra Fría, la carrera espacial, la sociedad de consumo, la contracultura, los derechos civiles, movimientos feministas, la desigualdad económica y el consiguiente cuestionamiento del sueño americano.
Entramos en la primera sala, nuestra mirada se desvía hacia una formidable litografía en color con serigrafía desplegada en horizontal a lo largo de cuatro hojas “F 111” (1974), de James Rosenquist (1933-2017). Inspirada en un cazabombardero construido y utilizado por EE.UU. durante la guerra de Vietnam, las imágenes yuxtapuestas y fragmentadas impactan en el espectador por la forma de cuestionar el gasto militar, el consumismo y las implicaciones económicas de la guerra.
Muy próxima se encuentra “Electric Chair” (1971), de Andy Warhol (1928-1987). Una serie de diez serigrafías en color, en las que el artista evidencia la cara opuesta al bienestar americano. Con este trabajo, nos propone una reflexión acerca de las sentencias de pena de muerte que finalizan con las ejecuciones. Warhol comenzó a producir cuadros serigrafiados de la silla eléctrica en 1963, año en que se produjo la última ejecución pública de Nueva York.
Más adelante, nos arropa la intimidad que ofrece una pequeña sala para admirar obras de los pintores Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Jim Dine. A principios de la década de los 60 comenzaron a experimentar con las espectaculares posibilidades creativas de las artes gráficas, que convirtieron en esencia de su producción artística. Para conseguir ambiciosas creaciones, técnicamente complejas, buscaron apoyo en talleres especializados que disponían de la infraestructura, competencia y flexibilidad necesaria para llevar a cabo con éxito su obra.
En la serigrafía a color Flags l (1973), Jasper Johns (1930), ofrece dos atractivas interpretaciones de la bandera americana, impresas en quince colores usando treinta pantallas diferentes, es aconsejable apreciarla desde diferentes perspectivas.
La impresionante litografía de Robert Rauschenberg (1925-2008) “Sky Garden from Stoned Moon series” (1969), se eleva a casi 2,2 metros y emula las gigantescas proporciones del cohete Sky Garden. Con sus remolinos rojos resultantes de la explosión, el estallido violento del cohete Saturno V ocupa dos tercios de la obra. En una fusión de Tierra y Luna, la huella del astronauta Buzz Aldrin en la faz de la Luna, queda impresa sobre una garza en la esquina superior derecha. El módulo de mando a la izquierda orbita alrededor de la Luna antes de que, más abajo, los astronautas pongan el pie en ella.
De Jasper Johns (1930), disfrutamos “Savarin” (1981), litografía en color. El artista, guardaba sus pinceles en una lata de café de la Marca Savarin. Este motivo lo utilizó por primera vez en su obra gráfica en 1968 y acabaría convirtiéndose en un tema recurrente a lo largo de toda su producción.
Mientras que el trabajo de los artistas pop de Nueva York expresaba a menudo cierta ansiedad frenética, la experiencia en la Costa Oeste Americana, desarrolló una estética más relajada.
Destaca Ed Ruscha (1937) que, a modo de cronista, nos descubrió el estilo de vida y el paisaje de Los Ángeles, con su litografía en color “Made in California” (1971), convierte el lenguaje en paisaje donde rinde homenaje a California cuando evoca la luz del sol en el ocre dorado de las “palabras líquidas” y el sabor dulce de las naranjas que sugieren gotas de zumo recién exprimido.
A pesar de la llegada del arte pop, a principios de los sesenta, el expresionismo abstracto continuó su influencia en artistas estadounidenses. La litografía se ajustaba a la perfección al trazado impulsivo y gestual del expresionismo abstracto, en esta exposición vemos ejemplos de artistas como Willem de Kooning (1904-1997) con su litografía “Minnie Mouse” (1971).
Las técnicas comerciales modernas, también fueron aprovechadas por grupos de acción directa en su lucha para crear conciencia y difundir mensajes políticos.
Entre otras obras destacamos “l love liberty” (1982), serigrafía en color de Roy Lichtenstein (1923-1997). Concebida para la celebración del 250 aniversario del nacimiento del primer presidente del país, George Washington. El artista realizó varias serigrafías y carteles para apoyar diferentes causas políticas y sociales.
En el fotograbado estampado a color de Jim Dine (1935) “Drag: Johnson and Mao” (1967), los máximos mandatarios de las dos superpotencias del momento Estados Unidos y China, aparecen representados aquí como un par de drag queens. Al más puro estilo de arte pop, Dine tomó las fotografías de prensa de ambos líderes, las hizo ampliar e imprimir por separado para aplicarle color y sorprender al espectador con el recargado maquillaje que presentan.
Cierran esta magnífica muestra dos obras de Ed Ruscha: “Dead End 2 from Rusty Sings” y “Cash For Tools 2 from Rusty Sings” (2014), mixografías impresas en papel hecho a mano, que, sin embargo, engañan al ojo pues parecen dos chapas oxidadas. Los mensajes, en relieve, expresan la preocupación del artista por el deterioro de las infraestructuras y el declive del sueño americano.
A lo largo de las últimas seis décadas, los artistas gráficos estadounidenses han demostrado una extraordinaria capacidad creativa para reflejar las diferentes circunstancias que han atravesado su país, la visita a esta exposición, es una gran ocasión para comprobarlo.
